primer periodo
PLANES DE AULA PRIMER
GRADOS DECIMOS
TEMÁTICA
Historia del arte: contemporáneo Arquitectura, Romanticismo, Realismo, Impresionismo Simbolismo Modernismo.
composición
aplicando volumen, texturas
Manejo de elementos de trabajo escuadras
Manejo de elementos de trabajo compás
arte óptico ejercicios
Desarrollo de volumenes con formas curvas
Conoce
y desarrolla habilidades en el uso de sus elementos de trabajo
Entiende
las artes plásticas como una herramienta de comunicación
Desarrolla
creatividad a partir del conocimiento de conceptos básicos en el proceso del
desarrollo del dibujo
Calidad
en la entrega de talleres
Entrega
oportuna de los mismos
Trabajo
y comportamiento en clase
Atte Doc, JIMMY
TALLER DE ARTÍSTICA PARA DÉCIMO
Manejo de escuadras
Retomando clases y avanzando en nuestro proyecto
de vida continuamos adaptándonos a las condiciones de trabajo que nos ofrece
esta pandemia, les presento la siguiente actividad, tratando de ser lo más
explícita posible para su mejor comprensión. Recordemos que los objetivos de
esta clase dentro de la educación es crear un sentido de apreciación, de
estética en el desarrollo de sus actividades, de desarrollo motriz fino y de
conocimiento como herramienta de comunicación entre otros, de ahí su
importancia ya que es para aplicar en cada uno de los aspectos de tu vida. Lo
primero que haremos es aprender a manejar nuestros elementos de trabajo y hoy
empezamos con las escuadras. Bien a continuación veremos un link que nos
muestra un video que nos orienta como hacer este ejercicio.
Este ejercicio lo desarrollas con tus escuadras,
observa bien el vídeo, sino tienes forma de verlo, la imagen anterior te indica como ubicar las
escuadras para trazar las líneas paralelas, solo escoge cuatro posiciones para
que en cada recuadro trases diferente inclinación. Ten en cuenta que la regla
que va abajo sirve de apoyo y esta quieta, bien firme para poder desplazar la
que va arriba para trazar las líneas.
Sobre el formato de trabajo debe llenar todos los
recuadros y si es necesario repetirlo varias veces hasta que lo veas bien,
antes de enviarlo. Y no olvides llenar los datos que te pide el formato con
lapicero, ojalá tinta negra.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia
lograremos los objetivos.
TALLER DE ARTÍSTICA PARA DECIMOS
tema manejo de
Estamos por adquirir conocimientos, habilidades y
destreza en el manejo de nuestras herramientas de trabajo. Para hoy tenemos el
manejo de compas.
Bien a continuación haremos el dibujo que nos
enseña el siguiente video…es sobre el manejo del compás determinen ustedes las
medidas, desarrolla la siguiente figura, orientado por el video o el proceso
que muestran las imágenes. Al final no necesitas colorear, solamente resaltaras
la imagen final con el compás.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Es muy importante el aprender a manejar nuestros
elementos de trabajo, a partir de hoy y durante todo el año este
conocimiento será vital en nuestra área, así ponle mucho interés
TALLER DE ARTÍSTICA PARA DÉCIMO 2022
ARTE
La historia del arte es el relato de la evolución
del arte a través del tiempo. Entendido como cualquier actividad o producto
realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través de
la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo,
empleando diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o
mixtos.
El arte es una de las manifestaciones más
elevadas de la actividad humana, como elemento esencial en el desarrollo y
evolución del hombre mediante la cual se expresa una visión personal y
desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos sonoros,
plásticos o lingüísticos.
Se ha demostrado científicamente que el estudio
de las bellas artes, desde edad temprana, cultiva en el ser humano una
sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética muy sólida en su vida adulta.
Actividad
1. Sobre
los formatos que sean necesarios escribiremos un resumen del texto que anexo
…ojo deben hacer renglones de un cms para escribir el resumen…relacionar al
menos una imagen
2. En
un formato aparte relacionar biografía de un representante de este movimiento
artístico mostrando una imagen de una de sus obras
3. Para
entender mejor este tema observa estos vídeos, puedes complementar tu resumen
con el apoyo de estos vídeos
Arte contemporáneo
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases
de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del
absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la
Revolución francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el
afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha
de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos
que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en
el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se
contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como
contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la
evolución cultural de la humanidad.
Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo
de las formas, así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según
conceptos modernos: es el llamado historicismo, que produjo movimientos como el
neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc. Entre sus principales artífices
cabe recordar a: John Nash, Augustus Pugin, Viollet-le-Duc, etc. En Estados
Unidos surgió una nueva tipología de edificio, el rascacielos, fomentado por la
denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney, Louis Sullivan). A
finales de siglo surgió el modernismo,nota 15 que supuso una gran revolución
en el terreno del diseño, con nombres como Victor Horta, Henry van de Velde,
Hector Guimard, Charles Rennie Mackintosh, Otto Wagner, Adolf Loos, Joseph
Maria Olbrich, Hendrik Petrus Berlage, Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner,
Josep Puig i Cadafalch, etc.113
Romanticismo
La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix, Museo del
Louvre, París.
Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los
románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la
imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a la
naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por
el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular,
lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado
—especialmente las medievales—, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobró
protagonismo por sí solo. Cobraron también importancia las artes gráficas,
principalmente la litografía y el grabado en madera.
En pintura, después de una fase prerromántica donde podríamos citar a
William Blake y Johann Heinrich Füssli, destacaron Hubert Robert, Eugène Delacroix,
Théodore Géricault, Francesco Hayez, John Constable, Joseph Mallord William
Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Schinkel, Philipp Otto Runge,
etc. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos,
inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán,
principalmente Durero (Friedrich Overbeck, Peter Cornelius, Franz Pforr). En
España destacaron Genaro Pérez Villaamil, Valeriano Domínguez Bécquer, Leonardo
Alenza y Eugenio Lucas.
En escultura prevalecen las formas neoclásicas, reinterpretadas según
las nuevas temáticas románticas. Cabría citar en Francia a: François Rude, que
evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa, 1832);
Antoine-Louis Barye, especializado en figuras de animales; Jean-Baptiste
Carpeaux, artista polivalente con gusto por lo espectacular; y David d'Angers,
autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch, Rudolf
Schadow y Johann Heinrich Dannecker.114
Realismo pictórico
Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la
realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y
campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de
denuncia social, ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico.
En pintura destacaron Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-François
Millet, Honoré Daumier, Adolph von Menzel, Hans Thoma, Ilya Repin y Marià
Fortuny. Ligado al realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa
de Barbizon (Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Narcisse-Virgile
Díaz de la Peña), marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza; y la
italiana de los Macchiaioli (Silvestro Lega, Giovanni Fattori, Telemaco
Signorini), de corte antiacadémico, caracterizada por el uso de manchas
(macchia en italiano, de ahí el nombre del grupo) de color y formas inacabadas,
esbozadas. En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas, que se
inspiraban —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a
Rafael, así como en la recién surgida fotografía, destacando Dante Gabriel
Rossetti, Edward Burne-Jones, John Everett Millais y Ford Madox Brown.119
La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad, con
predilección por figuras de obreros y personajes marginales. Destacan: Max
Klinger, Adolf von Hildebrand, Aimé-Jules Dalou, los hermanos Agapito y
Venancio Vallmitjana, Ricardo Bellver, Mariano Benlliure y, especialmente,
Constantin Meunier, principal evocador de la figura del proletario, con cierto
aire idealizado, el obrero como héroe moderno (El Pudelador, 1884-1888)..
Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con
el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el
camino hacia los movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en
la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la
plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—, con una
técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos, valorando especialmente
la luz. Surgió una nueva temática, derivada de la nueva forma de observar el
mundo: junto a los paisajes y marinas, aparecen vistas urbanas y nocturnas,
interiores con luz artificial, escenas de cabaré, circo y music-hall,
personajes de la bohemia, mendigos, marginados, etc. Cabe mencionar como
principales representantes a Édouard Manet —considerado un precursor—, Claude
Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.
Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel de Auguste Rodin,
que sentó las bases de la escultura del siglo XX (El pensador, 1880-1900; Los
burgueses de Calais, 1884-1886). También destacó Medardo Rosso, que conduciría
la escultura hacia la desintegración de la forma.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se
preocuparon más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica del
puntillismo, consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de
colores puros, que se colocan junto a otros de colores complementarios,
fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. Sus principales
representantes fueron Georges Seurat y Paul Signac. Otra variante fue el
divisionismo, surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos
al anarquismo. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores
descompuestos, con largas pinceladas que, observadas a larga distancia,
producen un efecto de composición. Este estilo fue practicado principalmente
por Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano Previati, e
influyó en el futurismo italiano.
Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos
técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretaron de manera
personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la
evolución del arte en el siglo XX. Así, más que un determinado estilo, el
postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto
signo: Henri de Toulouse-Lautrec, autor de escenas de circo y cabaret esbozadas
con rápidos apuntes del natural; Paul Gauguin experimentó con la profundidad
dando un nuevo valor al plano pictórico, con colores planos de carácter
simbólico; Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas
(cilindro, cono y esfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora
del cubismo; Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y
prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido,
deformando la realidad, a la que otorgó un aire onírico. En España podemos
reseñar a Joaquín Sorolla, autor de escenas populares donde destaca la
utilización de la luz.124
En paralelo a la pintura, la música impresionista hace primar la armonía
sobre la melodía, igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. Se
deja al espectador la reconstrucción de una composición musical, hecha a base
de partes, de sugerencias. Su principal representante, Claude Debussy, rechazó el
cromatismo tónico, introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos, opuestos
a las escalas habituales.
Simbolismo y Pintura simbolista.
Estilo de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al
naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis
en el mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el
sexo y la perversión. Una característica principal del simbolismo fue el
esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo
de la era industrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y a la
belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier
«el arte por el arte» (L'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de
«religión estética». La belleza se alejó de cualquier componente moral,
convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir su propia vida
como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandy—.
Destacaron: Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, James
McNeill Whistler, Lawrence Alma-Tadema, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler y
Gustav Klimt, así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis, Paul Sérusier,
Pierre Bonnard, Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Ligado al
simbolismo estuvo también el llamado arte naïf, cuyos autores eran
autodidactas, con una composición algo ingenua y desestructurada, instintiva,
con cierto primitivismo, aunque plenamente consciente y expresiva (Henri
Rousseau, Séraphine Louis, Grandma Moses).
Modernismo (arte)
En paralelo a la arquitectura, el modernismo también se desarrolló en pintura, surgiendo
una notable escuela en Cataluña, con artistas como Ramon Casas y Santiago
Rusiñol, con un estilo caracterizado por una temática naturalista de ambiente sombrío,
con una cierta influencia del impresionismo francés. Más tarde se recibió la
influencia del simbolismo, practicado por el mismo Rusiñol y por artistas como
Alexandre de Riquer, Adrià Gual y Joan Llimona. En escultura cabe mencionar a
Eusebi Arnau, Josep Llimona y Miguel Blay. En un llamado «posmodernismo»nota
16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir, así como hallamos
la presencia de un joven Pablo Picasso, que se adentró en el ambiente
modernista alrededor del año 1900, hecho que supuso un cambio en su trayectoria
y su adscripción al arte de vanguardia, como podemos ver en su etapa fauvista
(1900-1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901-1904), para desembocar
finalmente en el cubismo.
En el resto de Europa, la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo
del diseño y la ilustración, especialmente al cartelismo, nuevo género
artístico a caballo entre la pintura y las artes gráficas, ya que se basaba en
un diseño realizado por un pintor o ilustrador, para ser luego reproducido en
serie. En su génesis fue determinante el aspecto publicitario del cartel,
aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a la propaganda
política e institucional. Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o
el cartel conviene recordar a Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Jan Toorop,
Fernand Khnopff, etc.
El modernismo, por su carácter ornamental, supuso una gran
revitalización de las artes aplicadas, especialmente la carpintería, la forja,
la vidriería, la cerámica, el moldeado en yeso, la impresión (libros, revistas,
postales), la joyería, el mosaico, etc.129 A ello ayudaron los nuevos
procedimientos industriales, que permitían la fabricación en serie. Cobró
especial relevancia el diseño, el proceso creador del artista, que materializa
su creación en el bosquejo de la obra, que puede ser luego realizada por
diversos artesanos. Entre sus principales artífices destacaron Émile Gallé
(ceramista y vidriero), René Lalique (orfebre), Koloman Moser (diseñador),
Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero), Gaspar Homar (ebanista), etc.
También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and Crafts («Artes y
Oficios»), promovido por John Ruskin y William Morris, que defendía una
revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas
tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como
bello.130
Historia de la fotografía
En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar
imágenes del natural, a través del principio de la cámara oscura. Pese a ser
una realización puramente técnica, pronto se vislumbró la artisticidad de este
nuevo medio, pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto
suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen,
derivada de la labor de percepción, diseño y narratividad efectuada en la toma
de la imagen. Así, pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las
artes, concretamente la octava.nota 17
Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore
Niépce, que logró la primera fotografía en 1816, en negativo sobre papel, a
partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su
captación y reproducción. La construcción del daguerrotipo por
Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto, consiguiendo impresionar
placas metálicas y fijar la imagen con un baño de sal y mercurio. Otro de los
pioneros fue William Henry Fox Talbot, que en 1835 inventó el negativo, que
permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida. Hippolyte Bayard logró en
1840 la fotografía en positivo directo. Otro precursor, John Frederick William
Herschel, fue el creador del término fotografía, así como negativo y positivo,
e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). En
1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato Kodak, pequeña
cámara cargada con 100 clichés. La primera fotografía en color fue obtenida por
James Clerk Maxwell en 1861; sin embargo, la primera placa fotográfica en color
(Autochrome) no llegó a los mercados hasta 1907.
A partir de entonces la fotografía se popularizó, ya que era un medio
que no requería grandes cualidades personales, simplemente el dominio de la
técnica, apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo
en imágenes. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos,
dedicados en principio sobre todo al retrato, aunque posteriormente a todo tipo
de eventos y a imágenes del natural. También apareció la fotomecánica y las
primeras publicaciones ilustradas, siendo pioneros los álbumes de Excursions
Daguerriennes (1841-1842) y, como primer libro ilustrado, Pencil of Nature
(1844), de Fox Talbot. Igualmente apareció la fotografía documental,
especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos, siendo las
guerras de Crimea y de Secesión americana las primeras en ser retratadas.
A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un arte,
surgiendo el pictorialismo como primer movimiento artístico fotográfico; este
tenía la pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico,
con influencia del impresionismo. Entre los fotógrafos más destacados del siglo
XIX se puede citar a Gaspard-Félix Tournachon, Louis Désiré Blanquart-Evrard,
André Adolphe Eugène Disdéri, David Octavius Hill, John Thomson, Julia Margaret
Cameron, Oscar Gustav Rejlander, Eadweard Muybridge, Étienne-Jules Marey, Jacob
August Riis, etc.132
Arte del siglo XX
El arte del siglo XX experimentó una profunda transformación: en una
sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no
al intelecto. Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda,
una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista
de la civilización actual. Surgieron así los movimientos de vanguardia, que
pretendían integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación
artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo
descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias
artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte
tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una
revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea,
efímera, del arte no comercial (arte conceptual, happening, environment).
Vanguardismo
En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte
de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías
científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein,
la mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud.
Por otra parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función,
ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias
a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los
artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano,
asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte.
Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la
búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista.
Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardista del siglo XX, el fauvismo
supuso una experimentación en el terreno del color, que es concebido de modo
subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos, independientes
respecto a la naturaleza. Destacan Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy,
André Derain, Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen.
Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas
defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión
interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la
«impresión»—, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con
gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter
expresivo de la obra. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James
Ensor, se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig
Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde), y Der Blaue Reiter
(Vasili Kandinski, Franz Marc, August Macke, Paul Klee). Otros exponentes
fueron el Grupo de Viena (Egon Schiele, Oskar Kokoschka) y la Escuela de París
(Amedeo Modigliani, Marc Chagall, Georges Rouault, Chaïm Soutine). Figuras
individuales serían: José Gutiérrez Solana, Constant Permeke, Cândido
Portinari, Oswaldo Guayasamín, etc. También se suele considerar como una
derivación del expresionismo el grupo Nueva Objetividad (George Grosz, Otto
Dix, Max Beckmann). En México tuvo su expresión en el muralismo de José
Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros135 y Rufino Tamayo, e
influyó en la obra de Frida Kahlo. En escultura destacaron Ernst Barlach,
Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz.
Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad
mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista,
organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica, con visión
simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva
concepción de la obra de arte, con la introducción del collage. La figura
principal de este movimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandes genios del
siglo XX, junto a Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris y
Fernand Léger, así como Alexander Archipenko, Jacques Lipchitz, Pablo Gargallo
y Julio González en escultura. Una derivación del cubismo fue el orfismo de
Robert Delaunay, así como el rayonismo ruso, síntesis de cubismo, futurismo y
orfismo (Mijaíl Larionov, Natalia Goncharova). Igualmente, el purismo fue un
movimiento poscubista (Amédée Ozenfant, Le Corbusier).
Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso
técnico e industrial del siglo XX, destacando aspectos de la realidad como el
movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. El futurismo aspiraba
a transformar el mundo, a cambiar la vida, mostrando un concepto idealista y
algo utópico del arte como motor de la sociedad. Fue el primer movimiento que
se proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti), sello
distintivo de los futuros movimientos de vanguardia, que denotaba además la
interrelación entre las diversas artes. Destacan en pintura Giacomo Balla y
Gino Severini, y Umberto Boccioni en escultura.136
Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías
científicas, y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el
cine, que ya se encargaban de plasmar la realidad, se produjo la génesis del
arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo
interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de
imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del
artista, en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial.
Iniciado por Vasili Kandinski, fue desarrollado por el movimiento
neoplasticista (De Stijl), con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg
en pintura, y Georges Vantongerloo en escultura.
Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria, fue un estilo
comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una
transformación de la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas puras
artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo, que generan
una serie de obras de estilo abstracto, con tendencia a la geometrización.
Destacan Vladimir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo. Una variante
fue el suprematismo de Kasimir Malevich.
Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra, el
dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde
cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el
azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo,
donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del
arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como
el collage, el fotomontaje y los ready-made. Destacan Hans Arp, Francis
Picabia, Kurt Schwitters y Marcel Duchamp.
Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio
de Chirico, Carlo Carrà), el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la
imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del
psicoanálisis, como se percibe en su concepto de «escritura automática», por la
que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional,
mostrar la pureza del inconsciente. La pintura surrealista se movió entre la
figuración (Salvador Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Max Ernst) y la
abstracción (Joan Miró, André Masson, Yves Tanguy). En escultura destacan Henry
Moore, Constantin Brâncuşi, Alberto Giacometti y Alexander Calder.137
Últimas tendencias
Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa
dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más
rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias
históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que
destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material,
como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección
analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la
historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el
rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, retornando a las formas
clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a
su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así el arte
postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y
estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo artesanal como
esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la
aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video,
informática, internet, láser, holografía, etc.
Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del
artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura,
composición, aplicación preconcebida del color). Es un arte eminentemente
abstracto, donde cobra relevancia el soporte material de la obra, que asume el
protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Incluye diversas
corrientes como el tachismo, el art brut y la pintura matérica. Destacan
Georges Mathieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Lucio Fontana,
etc. En España surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura, Manolo Millares) y
Dau al set (Antoni Tàpies, Modest Cuixart). En escultura cabe citar a Jorge
Oteiza y Eduardo Chillida. En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo
abstracto —también llamado action painting—, caracterizado por la utilización
de la técnica del dripping, el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que
intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Entre sus
miembros figuran Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning.
Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un
movimiento que recuperó la figuración, con cierta influencia expresionista y
con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere
decir que ésta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a
gusto del artista. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la
filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano, y entroncaron
con el movimiento beat y los angry young men. Entre sus figuras se puede
mencionar a Francis Bacon, Lucian Freud, Bernard Buffet, Nicolas de Staël y los
miembros del grupo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille y Pierre
Alechinsky), así como Germaine Richier y Fernando Botero en escultura.
Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico), es un estilo que
pone énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos
ópticos, que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas,
imágenes persistentes, efecto de moiré), bien mediante el movimiento o los
juegos de luces. Es un arte abstracto pero racional, compositivo, al contrario
que el informalismo. Destacan Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam,
Julio Le Parc, Eusebio Sempere, etc.
Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al
expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que retornaron a la
figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes
del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de
comunicación de masas. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert
Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en el pop art Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard
Hamilton y, en escultura, Claes Oldenburg.
Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad
circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que extraen —al
contrario que en el pop art— su aspecto más desagradable, con especial
predilección por los materiales detríticos. Sus representantes fueron Arman,
César Baldaccini, Yves Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, Daniel Spoerri,
Niki de Saint Phalle, etc. Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte
conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas
a los elementos: fuego, lluvia) o con su exposición Vacío (1958, Galería Iris
Clert), donde vendió el espacio vacío de una galería; y Manzoni envasando sus excrementos
en lata (Merda d'artista, 1961).
Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la creación
artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso creador, en
el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran
componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como
el happening, la performance, el environment, la instalación, etc. Entre sus
figuras destacan Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Yoko Ono, Nam June
Paik y los grupos Fluxus y Gutai.
Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción
postpictórica (Barnett Newman, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland)
el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización
que desembocaría en el arte conceptual. Son obras de carácter abstracto, de
acusada simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento
inicial del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin
embargo, queda plasmada en su fase inicial. Destacaron los pintores Robert
Mangold y Robert Ryman, y los escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y
Sol LeWitt.
Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente
figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad,
que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi
fotográfico. Destacan Chuck Close, Richard Estes, Don Eddy, John Salt, Ralph
Goings, Antonio López García y, en escultura, George Segal, famoso por sus
figuras humanas en yeso.
Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo, el arte
conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental de
la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto.
Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico, el más purista de
la conceptualidad, centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el
arte povera, centrado en las instalaciones, generalmente de materiales
detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano
como soporte (Gilbert and George, Dennis Oppenheim); el land-art, que utiliza
la naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero (Christo, Walter
De Maria, Robert Smithson, Richard Serra); el bio-art, que usa técnicas
biológicas (Joe Davis, Estéfano Viu), etc. También podrían enmarcarse en esta
corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista
(Jenny Holzer, Barbara Kruger, Cindy Sherman, Judy Chicago) y el arte
homoerótico (Paul Cadmus, Robert Mapplethorpe, Deborah Cherena).
Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960
(televisión, video, informática) ha supuesto una gran revolución para el arte
no solo en cuanto a nuevos soportes y materiales, sino a nuevas formas de
expresión que han ampliado los límites del arte. El videoarte surgió en 1965
con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony).
En esta modalidad destaca no solo su componente físico —la emisión de imágenes,
generalmente en el marco de instalaciones o performances—, sino el mensaje
inherente a la imagen filmada, fusionando el mundo de la comunicación con la
cultura popular. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik, Dan Sandin,
Bill Viola, Tony Oursler, etc. El sound art (o audio art) se basa en el sonido,
ya sea natural, musical, tecnológico o acústico, y se integra en el arte a
través de ensamblajes, instalaciones, performances, videoarte, etc. (Laurie
Anderson, Brian Eno). La informática e internet han supuesto igualmente un gran
impulso para el arte, no solo como soporte sino por sus nuevas posibilidades
creativas y, especialmente, por su aspecto interactivo, suponiendo una nueva forma
de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina, Heath Bunting,
Jake Tilson).
Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominado arte moderno, es el arte
propio de la postmodernidad. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia
como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la
distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista
postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no
pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales como Jeff
Koons, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Eric
Fischl, Miquel Barceló, etc.; o también diversos movimientos como la
transvanguardia italiana (Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola
De Maria, Mimmo Paladino), el neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer, Georg
Baselitz, Jörg Immendorff, Markus Lüpertz, Sigmar Polke), el neomanierismo, la
figuración libre, etc.139
Globalización del arte
Instalación del grupo japonés Gutai, en la Bienal de Venecia de 2009.
Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas
en el siglo XIX, y sobre todo en el XX con el auge de los medios de
comunicación (radio, televisión, internet) y el proceso de globalización
cultural producido a nivel mundial, el arte se ha estandarizado progresivamente
hacia la universalización de estilos, conservando en muchos lugares las formas
autóctonas y tradicionales, pero adquiriendo un sello estilístico común
perceptible en diversos puntos del planeta. Antiguas formas artísticas basadas
en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y
un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de
difusión de los diversos movimientos artísticos.
En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de
arte, si bien la colonización europea introdujo el arte occidental,
produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. En muchas partes de África el
arte está marcado por la religión islámica, mientras que en otras es más de
signo cristiano, pero aún perduran las antiguas formas animistas. El interés
por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de
exportación, principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o
marfil. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de
Nigeria), Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue), Henry Tayali (de Zambia) y Eric
Adjetey Anang (de Ghana).
En la India, el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de
vanguardia, como se puede apreciar en la intervención de arquitectos
extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. Actualmente la India
está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes
plásticas contemporáneas, siendo el artista indio más cotizado el escultor
Anish Kapoor, junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij, Sankho
Chaudhuri, Ajit Chakravarti y Nek Chand.
El fin de la era imperial supuso la modernización de China, que se abrió
más a la influencia occidental. El triunfo de la revolución comunista impuso
como arte oficial el realismo socialista, si bien recientemente la nueva
política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias
artísticas, ligadas a las nuevas tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la
exposición China/Vanguardia, en la Galería Nacional China de Pekín, que
mostraba las últimas creaciones del momento, incluyendo tanto obra pictórica
como fotografías, instalaciones y performances. Desgraciadamente, los sucesos
de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso, hasta una nueva apertura en 1992.
Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi, Wu Guanzhong,
Pan Yuliang, Zao Wou Ki y Wang Guangyi.
En Japón, el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación
cultural, social y tecnológica, abriéndose más al exterior y empezando a
incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. La pintura presentó
entonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga), y otra occidentalista
(Yōga). En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Más
recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo
Gutai, que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de
acciones cargadas de ironía, con un gran sentimiento de crispación y una agresividad
latente. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita,
Kuroda Seiki, Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa
Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota,
Yoshitomo Nara, Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo.140
Recuerda:
Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
ARTE OPTICO
El op art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. Suele usarse en la crítica e historia del arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico. Las obras op art son abstractas, siendo muchas de las piezas más conocidas creadas en blanco y negro.
https://www.youtube.com/watch?
v=EiW61IOscwM&list=PLAlWbtqRRoSIEjA67ZfhAZoRKM2deh9s5&ab_channel=MARGARIT
AKARMONAARTEYMAS
Actividad: Desarrolla el taller en el formato de trabajo la imagen del video siguiendo las instrucciones
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Perspectiva oblicua “dos puntos de fuga”
Oblicuo, es un adjetivo que refiere a algo inclinado. Una recta oblicua es aquella que, al intersecar otra recta, crea un ángulo que no mide 90º (es decir, no se trata de un ángulo recto). ... Dos rectas que son oblicuas no pueden ser perpendiculares y viceversa
La perspectiva de dos puntos de fuga u oblicua se suele usar para composiciones en las que los objetos se observan desde un ángulo. Es la que más se parece a la que tiene el ojo humano, así que es la que más se usa a la hora de dibujar ilustraciones o los fondos de un cómic, en arquitectura para visualizar las edificaciones….
Actividad: sobre su formato desarrollar la siguiente imagen aplicando el concepto de la clase “perspectiva oblicua”, si puede te apoyas en el video que te enseña el siguiente link. Regularmente hemos hechos este tipo de dibujo con nuestras escuadras, pero en esta ocasión lo haremos a pulso para mejorar nuestros trazos, finalmente debes darle la mejor presentación ya sea con colores o a lápiz, también puedes anexarle algún complemento a tu gusto.
https://www.youtube.com/watch?v=VyqlN4GaciA&ab_channel=Nadesdk
Atte., Doc JIMMY
Temática
•
Desarrollo de letras en perspectiva
•
Conocimiento y aplicación canon de la cabeza humana
•
aplicación de la perspectiva en la composición
•
Desarrollo de textura, y volumen en la composición
•
Desarrollo de figuras decorativas a partir de tus elementos de trabajo
taller de manualidades
Competencias a desarrollar
•
Desarrollo creativo y manual con sus elementos de trabajo
•
conoce y aplica conocimientos básicos del dibujo técnico de diseño
•
Desarrolla habilidad en precisión de trazos y medidas con sus elementos
de trabajo
Evaluación
• Entrega oportuna de talleres
•
Calidad en la presentación de talleres
•
Asistencia y participación en clase
Actividad:
Sobre el formato de trabajo deben escribir el plan
de aula para este periodo y en el mismo formato se debe desarrollar un dibujo
libre inspirado en la última temática del periodo anterior… y todos los datos
deben estar completos …para este periodo iniciamos con el formato número 2/1.
Y no olvides llenar los datos que te pide el
formato con lapicero, ojalá tinta negra.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia
lograremos los objetivos.
TALLER DE ARTÍSTICA
TALLER DE ARTÍSTICA
Perspectiva oblicua “dos puntos de fuga”
Oblicuo, es un adjetivo que refiere a algo
inclinado. Una recta oblicua es aquella que, al intersecar otra recta, crea un
ángulo que no mide 90º (es decir, no se trata de un ángulo recto). ... Dos
rectas que son oblicuas no pueden ser perpendiculares y viceversa.
La perspectiva de dos puntos de fuga u oblicua se
suele usar para composiciones en las que los objetos se observan desde un
ángulo. Es la que más se parece a la que tiene el ojo humano, así que es la que
más se usa a la hora de dibujar ilustraciones o los fondos de un cómic, en arquitectura
para visualizar las edificaciones….
Actividad: sobre su formato desarrollar nombre y
edad en números en el elemento que va arriba, aplicando el concepto de la clase
“perspectiva oblicua”, te apoyas en el
video que te enseña el siguiente link. Regularmente hemos hechos este tipo de
dibujo con nuestras escuadras, finalmente debes darle la mejor presentación ya
sea con colores o a lápiz.
este video es de asesoría sobre el tema
https://www.youtube.com/watch?v=qSWqxNShAW0&ab_channel=ArtesmundoArtesmundo
Sigue el proceso, paso a paso y no olvides
iniciar con la línea de horizonte y marcando los dos puntos de fuga donde nacen
las líneas que guían la altura de los elementos de la composición.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
TALLER DE ARTÍSTICA
Dibujando la cabeza humana
En toda composición, ya sea un retrato, un grupo
de personajes, una puesta en escena, etc. la cabeza de los protagonistas será
siempre un fuerte punto focal. El saber dibujarla sería una base sólida no solo
sobre la anatomía humana, sino del dibujo en general. Desde este punto podrías
definir un estilo propio, siguiendo por el resto del cuerpo y otros fundamentos
como la perspectiva y los valores (luces y sombras).
Si
tomamos la cabeza y nos quitamos los ojos, la nariz, los labios y las orejas,
nos quedamos con dos masas simples. Una bola para el cráneo y una forma
cuadrada para la mandíbula. El cráneo es esférico, pero
con lados aplanados. Por lo tanto, cortar una rebanada de ambos lados nos da
una representación muy cercana a la masa craneal real. Desde el perfil, este plano será un círculo
perfecto, pero al dibujarlo desde cualquier otro ángulo, parecerá un óvalo
debido a la perspectiva. Divide este óvalo en cuadrantes. La línea vertical
representa el comienzo de la mandíbula. La línea horizontal representa la línea
de la frente. La parte superior e inferior del óvalo te ayudan a encontrar la
línea del cabello y la parte inferior de la nariz.
El ancho del óvalo dependerá de la dirección en que la persona esté mirando. Compara el tamaño del plano frontal con el tamaño del plano lateral. La parte superior del óvalo cae en la esquina de la frente, donde el plano frontal se encuentra con el plano lateral. Esta área suele ser redondeada, por lo que está abierta a la interpretación del artista. He encontrado que generalmente se encuentra cerca del final de la ceja. La línea en el plano frontal representa la ceja, así que prestemos atención al ángulo de una ceja a la otra. La inclinación vertical se indica mediante un ángulo a lo largo del plano lateral. Si la cabeza está inclinada hacia arriba, el ángulo apuntará hacia arriba y si la cabeza está inclinada hacia abajo, el ángulo apuntará hacia abajo. El grado de inclinación determinará qué tan pronunciada será la línea. Me gusta usar el ángulo de la oreja a la frente. Luego, en la base de la línea vertical, dibuja una curva idéntica a la línea de la ceja. Esto representa la parte inferior de la nariz. Trazar la misma línea de nuevo desde la parte superior del óvalo te lleva a la línea del cabello. El rostro se puede dividir en tercios casi perfectos, barbilla, nariz, frente y cabello. Podemos usar las medidas que ya hemos encontrado para saber dónde debería estar el mentón. Observa la forma general de la mandíbula, y dibuja los ángulos principales comenzando desde la caja, y terminando en el plano lateral de la cabeza. Por lo general, es aproximadamente a mitad de camino en el óvalo, o un poco más atrás. ¡Ahora que tenemos la base de la cabeza establecida, podemos terminarlo poniendo todas las características! …… a continuación relaciono video de apoyo
ACTIVIDAD en tu formato desarrollar la cara masculina y femenina en diferentes posiciones
Recuerda: Con trabajo y disciplina lograremos los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
TALLER DE ARTÍSTICA
LA PERSPECTIVA EN LA
La composición grafica es una representación en un soporte de dos dimensiones y una de las formas más comunes de incrementar el interés y la realidad sobre ella es dándole profundidad con la perspectiva. Es una gran aliada en la composición dado que la sensación de profundidad, nos puede acercar a la realidad y nos permite sumergirnos dentro de la imagen real quedando atrapado en ella.
Desarrolla en tu
formato
la imagen anterior teniendo
en cuento el
concepto expresado
y sobre el
cual hemos trabajado
con anterioridad al
final debes aplicarle
colores mostrando luces, sombras y texturas que
te acerquen
a la imagen real… ojo
deben
ocupar toda
el área de
trabajo del formato
Si tienes la posibilidad te doy este enlace para un video sobre el tema que te sirve de apoyo
https://www.youtube.com/watch?v=j3XeelTJkf0
… Lee con detenimiento…Atte. Doc Jimmy
Perspectiva oblicua “dos puntos de fuga”
VISTA INTERIOR
Oblicuo, es un adjetivo que refiere a algo inclinado. Una
recta oblicua es aquella que, al intersecar otra recta, crea un ángulo que no
mide 90º (es decir, no se trata de un ángulo recto). ... Dos rectas que son
oblicuas no pueden ser perpendiculares y viceversa
La perspectiva de dos puntos de fuga u oblicua se suele usar
para composiciones en las que los objetos se observan desde un ángulo. Es la
que más se parece a la que tiene el ojo humano, así que es la que más se usa a
la hora de dibujar ilustraciones o los fondos de un cómic, en arquitectura para
visualizar las edificaciones….
Actividad: sobre su formato desarrollar la siguiente imagen
aplicando el concepto de la clase “perspectiva oblicua”, si puede te apoyas en
el video que te enseña el siguiente link. Regularmente hemos hechos este tipo
de dibujo con nuestras escuadras, pero en esta ocasión lo haremos a pulso para
mejorar nuestros trazos, finalmente debes darle la mejor presentación ya sea
con colores o a lápiz, también puedes anexarle algún complemento a tu gusto.
CONSTRUCCION DE FIGURAS IMPOSIBLES
Las formas imposibles son una serie de formas imaginarias porque su construcción en las tres dimensiones conocidas no se puede dar. La representación de estos objetos es por medio de dibujos u otros recursos tecnológicos
ACTIVIDAD: sobre el formato de trabajo realizar la siguiente
imagen haciendo uso de tus escuadras...primero debes realizar un triangulo
equilátero girado 90 grados a la , una
medida de 15 cms por lado, cada cubo que conorma la figura es de 2 cms con una
separacion de 1 cms.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos
Docente: JIMMY
Las manualidades les ayudan a desarrollar la
paciencia, la destreza y la movilidad de sus manos. Gracias a sus pequeñas
obras de arte, aprenden nuevos conceptos y asimilan mejor los ya aprendidos.
Potencian su iniciativa, imaginación, entusiasmo y dotes artísticas.
Se pueden realizar manualidades con unas
infinidades de materiales como: papel, cartón, cartulina, foami, tela, fieltro,
arcilla, plástico, lana, vidrio, envases reciclados, ceras de colores, pintura,
hilo, madera, alambre, etc. Son trabajos realizados con las manos o con ayuda
de herramientas.
Actividad: A partir del siguiente video te orientas, observa la técnica para desarrollar la actividad, con ¼ de cartón paja y con temperas y pinceles lo lograras.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos
Docente: JIMMY
PLAN DE AULA TERCER PERIODO
Temática
•
aplicación de la perspectiva en la composición
•
Desarrollo de textura, y volumen en la composición
• Desarrollo de figuras decorativas a partir de tus elementos de trabajo
Manualidad “figura navideña “
• Desarrollo de caricaturas
• Desarrollo de perspectiva tres puntos de fuga
Competencias a desarrollar
•
Desarrollo creativo y manual con sus elementos de trabajo
•
conoce y aplica conocimientos básicos del dibujo técnico de diseño
• Desarrolla habilidad en precisión de trazos y medidas con sus elementos de trabajo
Evaluación
• Entrega oportuna de talleres
•
Calidad en la presentación de talleres
•
Asistencia y trabajo en clase
Actividad:
Sobre el formato de trabajo deben escribir el plan
de aula para este periodo y en el mismo formato se debe desarrollar un dibujo
libre inspirado en la última temática del periodo anterior… y todos los datos
deben estar completos… Y no olvides llenar los datos que te pide el formato con
lapicero, ojalá tinta negra.
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia
lograremos los objetivos.
Arte óptico
El op art, es un estilo de arte visual que hace
uso de ilusiones ópticas. Suele usarse
en la crítica e historia del arte la denominación en inglés, op art, aunque
también hay referencias al arte óptico. Las obras op art son abstractas, siendo
muchas de las piezas más conocidas creadas en blanco y negro.
Desarrolla el taller siguiendo el video que te
muestra el enlace.
Desarrolla el taller en el formato de trabajo iniciando con una circunferencia y su centro has un triángulo equilátero ( lados iguales) al final dale la misma presentación a blanco y negro
IX TALLER DE ARTÍSTICA PARA DECIMOS:
PERSPECTIVA A DOS PUNTOS DE
FUGA
Recordemos que los
objetivos
de esta
clase
dentro de
la educación es crear un
sentido de apreciación, de estética en el desarrollo de sus actividades, de desarrollo motriz fino y de conocimiento como herramienta de comunicación entre otros, de ahí su importancia ya que
es para aplicar
en
cada uno de los
aspectos
de tu vida.
Bien a continuación veremos una imagen que nos enseña la casa de sus sueños….o a quien no le gustaría? …..con los conocimientos de perspectiva a dos puntos de fuga desarrollamos este ejercicio.
Esta actividad la desarrollan en el formato o en una hoja de block previamente se debe dibujar el rotulo similar al del formato, píntalo a tu gusto.
Si es necesario repítelo varias veces hasta que lo veas bien,
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
PERSPECTIVA TRES PUNTOS DE FUGA
Se dibuja una línea de horizonte y dos puntos de fuga en
los extremos. Después se traza un eje a 90° con respecto a la línea de
horizonte, se puede trazar en cualquier parte sin ir más allá de los puntos de
fuga. Sobre el eje colocamos un tercer punto de fuga en la parte inferior.
ACTIVIDAD
Sobre el formato con la ayuda de sus elementos de trabajo desarrolla la siguiente imagen con la orientación del docente
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos
los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
Como dibujar un rostro explicado
FIGURA NAVIDEÑA DECORATIVA
Para ambientar nuestra casa en esta bella época que se aproxima, con material para reciclar , es decir darle un nuevo uso, desarrollaremos la siguiente actividad guiada por el video, de esta manera tendremos elementos decorativos muy económicos haciendo uso de nuestra creatividad.
https://www.youtube.com/watch?v=nZlxTKVZJXw&ab_channel=MANUALIDADESHERME
Recuerda: Con trabajo, disciplina y constancia lograremos los objetivos.
Atte., Doc JIMMY
Manejo de elementos de trabajo
perspectiva en la composición
textura enla composicion
arte óptico
taller de manualidades
floreros
perspectiva en la composición
TALLER DE MANUALIDADES
ARTE ABSTRACTO GEOMÉTRICO EN 3D
COMPOSICION ADSTRACTA GEOMETRICA EN 3D
ESTOS MODELOS SIRVEN DE REFERENCIA PARA ELABORAR SIMILARES DE DISEÑO PROPIO .
Atte, Doc. JIMMY
Textura y volumen en la composicion
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